Un concepto utilizado habitualmente en la enseñanza musical y que, muchas veces, no entendemos por completo o causa alguna confusión es la consonancia.
¿Qué es consonante y qué no? ¿En qué momento o hasta qué punto los sonidos que escuchamos en las obras instrumentales y las canciones vamos a percibirlos como disonantes?
De todo este asunto vamos a tratar en las próximas líneas, hasta dejarlo claro y dedicarnos a lo que importa: la música y las canciones.
La percepción del sonido y la armonía
Cuando escuchamos música, no solo percibimos notas sueltas, sino relaciones entre ellas. Algunas combinaciones de sonidos nos resultan agradables y estables, mientras que otras generan tensión o sensación de movimiento.
A esto lo llamamos consonancia y disonancia.
Pero, ¿qué determina que un sonido sea consonante o disonante?
En parte, la acústica: ciertos intervalos producen vibraciones más armónicas y se sienten “suaves” al oído. Sin embargo, la percepción de la consonancia también está influida por la cultura y la historia. Lo que hoy nos suena normal, en otras épocas fue considerado inaceptable.
Vamos a ver qué provoca que ciertos sonidos nos parezcan estables o tensos, cómo ha cambiado esta percepción con el tiempo y cómo podemos usar la consonancia y la disonancia en la composición musical.
¿Qué es la consonancia?
La consonancia musical es la sensación de estabilidad y armonía que sentimos al escuchar ciertos intervalos o combinaciones de notas. En términos simples, son aquellos sonidos que percibimos como agradables o «resueltos» al oído.
En la música occidental, los intervalos más consonantes son:
- Octava (ejemplo: do – do)
- Quinta justa (ejemplo: do – sol)
- Tercera mayor y menor (ejemplo: do – mi o do – mi bemol)
- Sexta mayor y menor (ejemplo: do – la o do – la bemol)
Estos intervalos han sido considerados consonantes porque generan menos fricción entre las ondas sonoras, produciendo una sensación de descanso y estabilidad.
A su vez, dentro de la consonancia se distingue entre:
- Consonancia perfecta: octavas y quintas, que son más puras y estables.
- Consonancia imperfecta: terceras y sextas, que aunque agradables, generan una leve sensación de movimiento o inestabilidad.
En la composición y la armonización, la consonancia se usa para establecer momentos de calma o resolución, contrastando con la tensión que puede generar la disonancia. Pero, ¿qué ocurre cuando los sonidos no encajan de manera tan estable?
Vamos a verlo a continuación.
¿Qué es la disonancia?
La disonancia musical es la sensación de tensión o inestabilidad que se produce cuando dos o más notas suenan juntas y generan un choque sonoro.
En lugar de transmitir calma, como la consonancia, la disonancia provoca expectativa y movimiento, creando la necesidad de una resolución.
Los intervalos más disonantes en la música occidental son:
- Segunda mayor y menor (ejemplo: do – re o do – re bemol)
- Séptima mayor y menor (ejemplo: do – si o do – si bemol)
- Tritono (ejemplo: do – fa#), conocido como “el intervalo del diablo” en la Edad Media
Aunque en algunos contextos la disonancia puede sonar chocante, es un recurso fundamental en la música. De hecho, gran parte de la emoción y el interés de una composición proviene del juego entre tensión y resolución: la disonancia crea expectativa y la consonancia la resuelve.
Ejemplos de disonancia en la música:
- Un acorde de séptima dominante (como G7) crea tensión hasta que resuelve en un acorde estable (C mayor).
- En jazz y rock, los acordes con extensiones (como los acordes con novenas o onceavas) generan riqueza armónica a través de la disonancia.
- En música de cine y contemporánea, la disonancia se usa para transmitir misterio, dramatismo o inestabilidad emocional.
En definitiva, la disonancia no es algo que deba evitarse, sino un recurso expresivo que, bien utilizado, enriquece la música y la hace más interesante.
La evolución de la consonancia y la disonancia en la historia
La percepción de la consonancia y la disonancia, como apuntábamos al inicio, de este artículo, ha cambiado con el tiempo. Lo que en una época se consideraba inaceptable, en otra se convirtió en la norma.
Veamos cómo ha evolucionado este concepto en diferentes períodos de la historia de la música.
Música medieval y renacentista: la búsqueda de la pureza
En la Edad Media, solo los intervalos más «puros» eran aceptados como consonantes: la octava, la quinta justa y, en menor medida, la cuarta justa. Cualquier otro sonido simultáneo era visto como disonante y debía resolverse según estrictas reglas.
Durante el Renacimiento, las terceras y sextas empezaron a considerarse más aceptables, dando lugar a una música más armónica.
Barroco y Clasicismo: tensión y resolución
En el Barroco (siglos XVII-XVIII), la música comenzó a jugar con la disonancia como elemento expresivo. Se estableció el principio de tensión y resolución, donde los acordes disonantes generaban expectativa antes de llegar a un acorde estable.
Este enfoque se consolidó en el Clasicismo, con compositores como Mozart y Haydn usando la disonancia de forma controlada para dar color y dinamismo a sus obras.
Romanticismo: la expansión de la disonancia
En el siglo XIX, la música romántica exploró la emoción y el dramatismo con un uso más libre de la disonancia.
Compositores como Chopin, Wagner y Liszt extendieron la duración de los acordes disonantes antes de resolverlos, intensificando la expresividad y creando armonías más complejas.
Siglo XX y contemporáneo: disonancia como lenguaje propio
Con la llegada de la música atonal y el dodecafonismo (Schoenberg, Berg, Webern), la disonancia dejó de ser un elemento de transición y pasó a convertirse en la base del lenguaje musical.
En géneros como el jazz y el rock, la disonancia se usa para añadir riqueza armónica y tensión emocional.
Y en la música experimental y de cine, se emplea para generar sensaciones de inestabilidad o misterio.
En definitiva, lo que se considera consonante o disonante no es absoluto, sino que cambia según la época y el contexto cultural.
La disonancia en la música popular y las canciones
Aunque la disonancia suele asociarse con la música clásica o experimental, en realidad es un recurso fundamental en casi todos los géneros populares.
Como ya hemos comentado, desde el jazz hasta el rock, el pop o la música electrónica, la disonancia se usa para añadir color, emoción y profundidad a las canciones.
Uso de la disonancia en distintos géneros
- Jazz: Este género es un claro ejemplo de cómo la disonancia se usa intencionadamente para enriquecer la armonía. Los acordes de séptima, novena, onceava y treceava son comunes, creando una tensión controlada que da personalidad a la música.
- Blues y rock: En estos estilos, empezando por el blues, la disonancia se encuentra en los «blue notes» y en los riffs de guitarra, donde notas que no encajan perfectamente con la armonía generan una sensación expresiva y cruda.
- Pop y baladas: Aunque tienden a ser más consonantes, muchas canciones pop incluyen disonancias en las melodías vocales o en los arreglos para aportar dramatismo. Un claro ejemplo son las segundas y séptimas en las progresiones de acordes.
- Música electrónica y experimental: Estos estilos exploran la disonancia de formas más extremas, combinando sonidos atípicos, acordes disonantes y texturas complejas para crear ambientes únicos.
La disonancia no es simplemente ruido o caos. Es una herramienta poderosa que, usada con intención, da carácter y emoción a la música.
Consonancia y disonancia en la composición y la interpretación
Para un compositor o intérprete, entender cómo utilizar la consonancia y la disonancia es clave para dar profundidad y emoción a la música.
Cómo utilizar la disonancia en la composición
- Alternar tensión y resolución: Una de las técnicas melódicas o armónicas más comunes es introducir una disonancia y luego resolverla en una consonancia. Esto crea un efecto de “pregunta y respuesta” que mantiene el interés del oyente.
- Ejemplo: Usar una séptima en un acorde para luego resolver en la tónica.
- Acordes con extensiones: Enriquecer los acordes con séptimas, novenas o incluso notas alteradas puede aportar una sonoridad más rica y sofisticada.
- Ejemplo: En lugar de un simple Do mayor (C), probar con un Cmaj7 (do – mi – sol – si) para un sonido más etéreo.
- Uso de notas de paso y apoyaturas: Introducir notas que no pertenecen al acorde base por un breve instante puede añadir expresividad.
- Ejemplo: En una melodía, una nota fuera del acorde que se mueve rápidamente hacia una nota consonante.
- Disonancia sostenida para efectos emocionales: En ciertos géneros como el jazz o la música experimental, la disonancia puede mantenerse sin necesidad de resolverla inmediatamente, generando un efecto más atmosférico o intrigante.
Cómo interpretarla en la ejecución musical
- Expresión y dinámica: En muchos casos, la manera en que se toca una disonancia influye en su impacto. Un acorde disonante tocado suavemente puede sentirse más sutil, mientras que si se toca con fuerza genera mayor tensión.
- Uso de la voz en canciones: En la música vocal, pequeñas disonancias en la melodía pueden hacer que una interpretación suene más emotiva e intensa.
- Instrumentos armónicos vs. melódicos: En guitarra o piano, las disonancias se pueden construir a partir de los acordes, mientras que en instrumentos melódicos como el violín o la voz suelen aparecer en la línea melódica como notas de tensión.
Ejercicio práctico
Prueba a componer una progresión sencilla con un acorde disonante antes de resolverlo. Por ejemplo:
- C → Fmaj7 → G7 → C ( Aquí, el Fmaj7 y el G7 contienen disonancias en distinto grado que luego resuelven en C ).
La disonancia bien utilizada no es un error, sino una herramienta expresiva que, combinada con la consonancia, permite contar historias sonoras más interesantes.
Conclusiones
La música es un juego constante entre estabilidad e inestabilidad, entre reposo y movimiento.
Como hemos visto, la consonancia nos da la sensación de descanso y armonía, mientras que la disonancia introduce tensión y emoción, guiando el oído hacia una resolución, aunque ésta llegue tarde, o tenga un desenlace inesperado o, sencillamente, no se produzca.
A lo largo de la historia, estos conceptos han evolucionado, y hoy en día, tanto en la música clásica como en la popular, la disonancia no sólo se acepta, sino que se utiliza de manera intencionada para enriquecer las composiciones.
Para los músicos y compositores, entender cómo funcionan estos elementos es clave para crear piezas más expresivas y atractivas. Jugar con la disonancia permite generar expectativa, sorpresa, intensidad y muchas otras sensaciones, mientras que la consonancia ofrece momentos de resolución y descanso.
Consejo final:
No tengas miedo de experimentar con la disonancia.
Prueba nuevas combinaciones de acordes, melodías y arreglos. Descubre cómo pequeños cambios en la armonía pueden transformar completamente la sensación de una canción.
Al final, lo más importante es que la música transmita algo y conecte con quienes la escuchan.
hacercanciones.com es una creación del Sr. Imposible
Después de estudiar en varias escuelas de música de barrio y en el Aula del Conservatorio del Liceu de Barcelona, con contenidos compatibles con el Berklee College of Music de Boston, doy clases de guitarra, música moderna y escribo canciones.